jueves, 25 de mayo de 2017

Bienal de Venecia: Cuyo reflejo es lo que ves?



Roberto Cuoghi “imitazione di Cristo” ( “Imitación de Cristo”) en el Pabellón Italiano de la 57 Bienal de Venecia. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


VENECIA - El tiempo no lo es todo, pero es mucho. Si el suave, soft-power 2017 Bienal de Venecia, llamado “Viva Arte Viva,” había llegado dos, o cuatro, o seis años atrás, podría haber pasado la inspección, incluso tenía sentido. Pero viniendo post-Brexit y post-Trump, se siente casi perversamente fuera de sincronía con el momento político, y en absoluto lo suficientemente fuerte como para definir un momento de su propia.

Esto es especialmente decepcionante, ya que el espectáculo principal, organizado por Christine Macel, conservador jefe del Centro Pompidou de París, tiene características prometedoras. No es, por un lado, una reunión fuera de la cremallera de las estrellas examinados en el mercado. La mayor parte de los 120 artistas son desconocidos incluso a los viajeros del mundo del arte más asiduos. El diferencial étnico es amplia; el equilibrio entre los géneros, incluso. Refrescante, gran parte del arte sustituye tacto y la textura de brillo digital.

Sin embargo, el programa no se levanta, no se cohesionan. la tensión y la unidad temática fundamental faltan. La Sra Macel ha dividido el trabajo, instalado en dos grandes espacios - en los Giardini y el Arsenale - en nueve secciones con snoozy, New Age-y títulos: Pabellón de alegrías y temores, Pabellón de la Tierra, Pabellón de tiempo y el Infinito, etc. incluso se inicia todo el asunto, en los Giardini, con imágenes de los artistas siestas en sus estudios.

Ella está tratando de hacer un punto sobre el tiempo de inactividad como el tiempo de sueño, un modo de creatividad pasiva resistente en una era de la producción frenética, dirigida feria de arte. Por desgracia, la imagen asintiendo-off refuerza una segunda realidad: el hecho de que el actual mundo del arte convencional podrido en el mercado que realmente es, políticamente, fuera de ella. Y una gran parte del trabajo se produce, al menos en algunas de las pruebas aquí, Precios apenas un segundo vistazo.

Hay excepciones en los Giardini, el parque que alberga unos 30 pabellones nacionales. Uno de ellos, un video ingenioso por el joven artista ruso Taus Makhacheva , muestra un acróbata transferir el valor de un museo de pintura del realismo socialista, por la cuerda floja, a partir de un pico a otro del Cáucaso. También de interés es un video de 2009, por Agnieszka Polska , la documentación de la carrera del underknown polaco Conceptualista Wlodzimierz Borowski (1930-2008). Dos artistas afroamericanos veteranos ven fuertes: Senga Nengudi , con sus esculturas de tela estirada y McArthur Binion , con su abstracción autobiográfica. (Pinta en las copias de su certificado de nacimiento 1946 Mississippi.) Y, en una inclusión esencial, no es lo que equivale a una encuesta carrera preciosa del pintor nacido en Damasco, Marwan , que murió el año pasado.Foto
Un detalle de “DNA: Pintura Negro: V” por McArthur Binion en el 2017 Bienal de Venecia. CréditoGianni Cipriano de The New York TimesFoto
“Formación de la pared amarilla de modelado” de Franz Erhard Walther en la Bienal, que se titula “Viva Arte Viva.” CréditoGianni Cipriano de The New York TimesFoto
La instalación de Sheila Hicks “Escalade Más allá cromáticas Tierras.” CréditoGianni Cipriano de The New York Times

La instalación en el Arsenale, un antiguo astillero medieval, es más convincente en general, en gran parte gracias a una concentración de trabajo a base de fibra de Leonor Antunes (Portugal), Petrit Halilaj (Kosovo), Abdoulaye Konate (Malí), Maria Lai (Cerdeña) y Franz Erhard Walther (Alemania). Empujar un ambiente neo-1960, la Sra Macel incluye la coreógrafa norteamericana Anna Halprin y el artista esloveno colectiva OHO .

Pero ella se mete en problemas en el Pabellón de chamanes, que tiene como eje central un gran tejido abierto, recinto tentlike por el artista brasileño Ernesto Neto . Los espectadores son bienvenidos para pasar el rato en el recinto, aunque en la apertura Bienal, que fue ocupada principalmente por los indios del Amazonas ceremonialmente vestidos traídos por el Sr. Neto para llevar a cabo los rituales religiosos.

Su presencia era desconcertante. Se reavivó el debate “primitivismo” de 30 años, sus términos sin cambios: En Occidente seguimos importando el otro para nuestro placer, sin dejar de ser cómplices de una economía mundial que está destruyendo el mundo del otro. Fiel a la política frustrante apagados de esta bienal, no aparece ninguna declaración curatorial, reconociendo estos temas.

Sólo una pieza importante hace un esfuerzo por reducir la brecha arte-vida a través de lo que ahora se conoce como “práctica social”, y que es el proyecto itinerante titulada “Luz Verde - Un taller artístico”, bajo la dirección del artista Olafur Eliasson . Instalado en los Giardini, está en la forma de un taller público atendido por artesanos profesionales que se están formando un grupo de inmigrantes y solicitantes de asilo de montar lámparas diseñadas por el Sr. Eliasson y vendidos para sostener el taller.Seguir leyendo la historia principal


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Una obra de Mark Bradford, el artista que representa a los Estados Unidos en la Bienal de este año, parte de un entorno denso de formas moldeadas y pintadas abstractas. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


Útil, ya que puede ser, el proyecto es típico de enfoque Boutique del mundo del arte convencional a manos-on-política, que a menudo cuerdas sus beneficiarios a ser objetos de arte a sí mismos, como artistas en vivo. Una versión más discreta de este modelo es el proyecto llamado “Proceso Collettivo”, iniciado por Mark Bradford , el artista que representa a los Estados Unidos en la Bienal de este año.

Un año antes de la feria, el Sr. Bradford propuso un programa de trabajo a las autoridades en dos prisiones de Venecia, a través del cual los internos, hombres y mujeres, aprendan a producir una variedad de artículos de lujo - bolsas, cosméticos - la venta de lo que facilitaría financieramente su transición después de la liberación. En asociación con una cooperativa de trabajo social local llamado Río Terà dei Pensieri , el programa ya está en plena marcha, la venta de sus productos fuera de una pequeña tienda de Venecia, y financiado por los próximos años por el señor Bradford, que estableció un proyecto similar por lo -Riesgo jóvenes en su ciudad natal, Los Ángeles.

Como artista de la Bienal, también se ha hecho cargo el Pabellón de Estados Unidos en los Giardini y ha creado un ambiente denso de formas abstractas moldeadas y pintadas que indican, entre otras cosas, los bajos fondos de los mitos clásicos europeos y el casco de un barco de esclavos a través del Atlántico . Su obra ocupa una de unos 50 pabellones nacionales divididas entre los Giardini y el Arsenale. Los pocos que hacer una impresión duradera de este año tienden a ser dedicado a artistas individuales. Exposición individual de Tracey Moffatt en el Pabellón de Australia , en la tragedia del desplazamiento social de masas, presente y pasado, es uno. La encuesta de la carrera de la maravillosa artista rumano Geta Bratescu , ahora tiene 91 años, es otro.

Performance de Anne Imhof en el Pabellón de Alemania ganó el León de Oro . Su conjunto de dos niveles, con un suelo transparente, era intrigante, aunque el rendimiento en sí dependía demasiado de una amenaza elegante que recuerda a los anuncios de la moda en Artforum .Foto
Una instalación de video por Candice Breitz, está representada en el pabellón de Sudáfrica de la Bienal de Venecia. CréditoGianni Cipriano de The New York TimesFoto
El artista brasileño Ernesto Neto, centro, en su recinto de trama abierta. CréditoGianni Cipriano de The New York TimesFoto
Parte de “Samas Soleil Noir Soleil,” por el artista libanés Zad Moultaka. CréditoGianni Cipriano de The New York Times

En el Arsenale, apocalipsis luz y sonido de Zad Moultaka en el Pabellón de Líbano, con un fuselaje bombardero en su centro, hay algo que ver, como es de Roberto Cuoghi mortuoria escultórica atractiva en el Pabellón de Italia, organizado por Cecilia Alemani . De lo contrario, algunas de las mejores presentaciones nacionales se encuentran escondidos en palacios, iglesias, casas y jardines en toda la ciudad. Pueden ser difíciles de encontrar - He pasado la mitad de un día en busca de un solo pabellón - sin embargo te la caza.

Eso es cierto de una selección de pinturas, por el artista Frank Walter Caribe, en el Pabellón de Antigua y Barbuda , y de excelente grupo de muestra en los pabellones patrocinados por Irak y Nigeria. Mi descubrimiento favorito fue el Pabellón de Estado NSK , dedicada a un país que es básicamente un proyecto de arte: NSK significa Neue Slowenische Kunst y sólo existe en las mentes de sus ciudadanos pasaportes que devengan, de los cuales, después de haber presentado un formulario y el pago de una modesta cuota, ahora soy uno. (Vaporetto más cercana:. San Stae) El Pabellón de Túnez es la emisión de documentos de este año, también: un documento de viaje universal, estampado con un sello que dice “Only Human” y válido en cualquier lugar, en todas partes.

La Bienal también tiene lo que se llama “eventos colaterales”, a menudo organizados por fundaciones privadas o galerías comerciales. Este año incluyen una belleza y una bestia. El Hauser & Wirth Galería con sede en Suiza ha entregado un golpe - el programa de préstamo encuesta temática “Philip Guston y los Poetas”, que no sólo presenta ese artista estadounidense en forma soberana, sino que también lo consagra en el Vaticano de la pintura veneciana, la Galería dell'Accademia (hasta el 3 de septiembre).

¿Merecería la pena ir todo el camino a Venecia para ver Guston? En este caso, probablemente sí. El espectáculo no viajará. Una vez allí, usted querrá pasar por la Fondazione Prada, que hace el tipo de exposiciones fuera de lo común que nadie más se le ocurre o se atreve. El actual, denominado “El Barco tiene fugas. El capitán mintió,” ingeniosamente ensambla a partir de sistemas de etapa desechados, da una idea de cómo Franz Kafka podría haber experimentado el mundo.Seguir leyendo la historia principal



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Exposición de Philip Guston en la Bienal de Venecia. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


El otro que hay que ver, sólo porque mucha gente parece estar viéndolo, es el despliegue de dos cañones de nueva escultura de Damien Hirst , presentado por la Fundación François Pinault en el Palazzo Grassi y la Punta della Dogana.

Titulado “Tesoros de los restos del Increíble”, esta muestra de escultura de bronce en su mayoría está catalogado como un caché de objetos antiguos que se hundió en el Océano Índico hace 2.000 años y fue finalmente izados en 2008. Parcialmente figurativo, el trabajo abarca desde teensy supersize (una pieza es de tres pisos de altura), y revela un grado inesperado de la multiculturalidad en las imágenes que van más allá de los desnudos griegos estándar para incluir Hathor , Kali , Quetzalcóatl , el Buda, y Mickey mouse. No es que Bernini? Y no son los de Durero “rezar las manos” ?Foto
Una pieza en la exposición de Damien Hirst, “tesoro de los restos de lo increíble.” CréditoDamien Hirst y Ciencia Ltd. Todos los derechos reservados, DACS 2017;Fotografiado por Gianni Cipriano de The New York TimesFoto
“El Buzo Con Divers,” parte de la exposición de Damien Hirst “Tesoros de los restos de lo increíble.” CréditoDamien Hirst y Ciencia Ltd. Todos los derechos reservados, Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York, 2017;Fotografía de Gianni Cipriano de The New York Times

Supongo que está destinado a ser divertido, aunque es una broma bastante caro. (¿Cuántas “Proceso Collettivos,” Qué le parece, podría ser pagado con $ 60 millones de dólares?) Tal vez porque yo iba a venir a Venecia esta vez de una estancia en Roma, que ya había tenido mi terraplén, en el arte, de bloviation antigüedades y malo barroco, y aquí estaba de nuevo en el Gran Canal.

Estoy instintivamente simpático a los esfuerzos de su carrera, el rescate por parte de un artista, que se rumorea que este trabajo sea. Y la experiencia me ha enseñado que condenar la crítica puede ser tan útil, promoción-sabia, como un elogio. Así que no tengo mucho que decir acerca de los “tesoros del naufragio”, excepto que está ahí; que algunas personas se preocupan; y que es irrelevante para cualquier cosa que sé de lo que importa.


Viva Arte Viva
57a Bienal de Venecia
Hasta el 26 de noviembre en los Giardini y el Arsenale y por Venecia; labiennale.org.

lunes, 15 de mayo de 2017

BIENAL DE VENECIA Tomar un primer vistazo a la Bienal de Venecia





Fotografías de GIANNI CIPRIANO
Producido por LAURA O'NEILL10 DE MAYO DE, 2017


Imagen Un visitante en Venecia. CréditoGianni Cipriano de The New York Times




La semana de la apertura de la Bienal de Venecia es una oportunidad para que los iniciados de arte para obtener una primera impresión de las muchas exposiciones. Aquí hay algunas fotografías de los primeros días, antes de que las multitudes comienzan a llegar el sábado.





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Un visitante en la exposición de Mark Bradford, en el Pabellón de los Estados Unidos. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


Imagen Los visitantes en su camino a la Exposición Internacional de Arte 57a en Venecia. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


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El artista Konstantin Schneider presenta para un retrato en el Arsenale. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


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Un visitante participa en Lee Mingwei de “cuando las visitas de belleza,” una actuación participativa en curso con la silla y el traje, en el Pabellón Central. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


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Damien Hirst, “The Diver.” CréditoDamien Hirst y Science Ltd. Todos los derechos reservados, 2017 DACS


Imagen La instalación de Lee Wan “momento adecuado”, en el Pabellón de Corea. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


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Instalación escultórica de Phyllida Barlow, “La locura”, en el pabellón británico. CréditoGianni Cipriano de The New York Times


Imagen Los visitantes ven a través de “Flying Wave” de Siri Aurdal en el Pabellón Nórdico. CréditoGianni Cipriano de The New York TimesSeguir leyendo la historia principal






















martes, 11 de abril de 2017

Las arañas y sus telas son las protagonistas exclusivas de la muestra de Tomás Saraceno


Las arañas y sus telas son las protagonistas exclusivas de la muestra de Tomás Saraceno


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Se trata una constelación de kilómetros de telas de araña fabricada en los últimos meses por 7.000 arañas de la especie Parawixia bistriata. Se podrá visitar hasta agosto en el Museo Mamba
"Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña", la primera exposición individual en un museo argentino del artista tucumano afincado en Berlín, una constelación de kilómetros de telas de araña fabricada en los últimos meses por 7.000 arañas de la especie Parawixia bistriata.

La ciencia y el arte se balancean con total naturalidad en la obra de este arquitecto nacido en 1973, al punto de que sus singulares creaciones llaman la atención por igual tanto desde la Bienal de Venecia como del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y desde el Museo Metropolitano de Nueva York hasta la Nasa, siempre a raíz de sus investigaciones en torno a las telas de arañas, un proyecto que ya lleva casi diez años y que lo convirtió en la única persona en el mundo que posee una colección de telas de arañas.

En la primera sala, miles de arañas -que ya no están- han tejido kilómetros de telas de finísimos hilos de seda que prácticamente brillan en la sala casi en penumbras, una pieza rara de describir y clasificar. Hay que moverse con cuidado y observar detenidamente para no perderse los detalles de esta construcción original. En tanto, en el subsuelo, los visitantes pueden asistir a una suerte de concierto cósmico, protagonizado por una araña, su fascinante tela y las partículas de polvo presentes en el espacio cuyos movimientos producen un sonido que amplificado retumba en el ambiente.

“Hace 140 millones de años que las arañas están en la tierra. Esta muestra implica ponerlas en el centro de la escena. Es entrar en confianza con esta especie y la posibilidad de colaborar en todo sentido, algo que las especies tienen que hacer más profundamente. Salir del antropoceno, de esta era centrada en el hombre, para poder, en algún momento, vivir y coexistir con otras especies”, dice a Télam Tomás Saraceno, de una rara cadencia al hablar luego de tantos años fuera de la Argentina, de sonrisa tímida y profundos ojos azules.
El discurso científico se fusiona con una veta poética cuando Saraceno describe, con entusiasmo, sus proyectos: “Las arañas siempre largan un hilo cuando caminan, así que una telaraña es siempre un diagrama de una ciudad-grilla o la huella de un recorrido. Nos olvidamos que una telaraña es siempre un mapa de su movimiento. Me gusta pensar que más que un mapa del pasado, de su recorrido, es también un mapa del futuro”, observa el artista.
Y prosigue: “Cuando una araña lanza sus hilos al aire, el viento y el calor las eleva y se transforman en aéreas, sus hilos durante el vuelo son proyecciones de sus futuros caminos, y dependiendo de cuán largas sean esas líneas, el viento las llevará en diferentes direcciones”, agrega el creador, y se refiere así a un particular movimiento arácnido conocido como ballooning, una idea de flotación que también trasladó a algunas de sus más célebres creaciones. Saraceno lo explica y hace un dibujito, con birome, sobre la hoja.

- Télam: ¿Cómo fue el proceso de traer las arañas al museo? ¿De manipularlas para que alcancen lo que te proponías?
- Tomás Saraceno: Es al revés. Cómo las arañas, que hace 140 millones de años están en la tierra, logran manipular a los humanos para tomar presencia en el museo donde estamos ahora. Son especies que saben mucho más que nosotros sobre este planeta, así que las que manipulan son las arañas, no nosotros. Me parece que hay que volver a plantear la pregunta. El antropoceno es una era donde la presencia del hombre en el mundo provoca cambios, cómo el humano domina.. pero el ser humano no domina nada. Va a desparecer, si no aprende de otras especies, a cómo sobrevivir en el planeta. Hay que cambiar esa perspectiva y darse cuenta de que las arañas viven en el museo y en nuestras casas desde siempre. La gente me dice: "Cómo las cazaste?", "¿Cómo las trajiste?'", y hay que invertir la pregunta.
- Télam: ¿Por qué "atrapar el universo en una telaraña"?
- TS: Naturalmente, porque una tela de araña es una especie de captura del universo, porque ahí caen partículas que son más viejas que este sistema solar. Entre 300 y 500 toneladas de polvo cósmico caen a la Tierra a través de la atmósfera cada día, partículas, tan antiguas como el universo.
ubicación

"Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña" se podrá visitar hasta agosto en el museo de Avenida San Juan 350, en el barrio porteño de San Telmo, de martes a viernes de 11 a 19. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Entrada general: $20. Martes: gratis.


Conversaciones de la critica de arte Alicia de Arteaga con Tomas Saraceno en ocasión de la inauguración de su muestra en el MAMBA Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

viernes, 7 de abril de 2017

Sin nombre, Art Deco Pasos con abundante Company en 'La edad del jazz'

Sin nombre, Art Deco Pasos con abundante Company en 'La edad del jazz'

Por ROBERTA SMITH para New York Times

Un sofá góndola diseñada por Marcel Coard alrededor de 1925 en “La edad del jazz: Estilo de Estados Unidos en la década de 1920” en el Cooper Hewitt, Smithsonian Museo del Diseño. El textil por encima de ella es “fuego” por Yvonne Clarinval, desde 1925. CréditoChang W. Lee / The New York Times

Los nombres Cartier, Lalique, Ruhlmann y Puiforcat revolotean entre las etiquetas en el Cooper Hewitt . Curvas simplificados alternan con geometrías gruesos. Abundan los motivos rascacielos. Nueva edad supera en muebles, joyas, forja, vestidos de noche de perlas incrustadas y capas de ópera, tapices y lacado de ventanas, servicios de té de plata y cajas de cigarrillo plegable.
Durante los embriagadores años, blinkered conocidos como los años veinte, la modernización estaba en el aire, al igual que un sentido general de inestabilidad. En ese breve recuperación de la Primera Guerra Mundial, antes de la caída en los trastornos económicos y políticos que condujeron a la Segunda Guerra Mundial , Art Deco nació - el más conocido de todos los movimientos de arte moderno.


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Detalle de un Firescreen por Edgar Brandt en hierro forjado y dorado, de alrededor de 1925. Crédito2017 Edgar Brandt / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times

Sin embargo, en el programa de Cooper Hewitt “The Jazz Age: Estilo de Estados Unidos en la década de 1920”, que se inaugura el viernes, Art Deco es el movimiento que no se atreve a decir su nombre. Los comisarios han prescindido de la frase - eliminarlo de ambos textos en las paredes y el catálogo - tomar una, tachuela que abarca más audaz. Dada la popularidad de Art Deco, puede haber parecido mejor para saltar todos juntos - y ofrecer un sustituto de carne.

¿Qué “La era del jazz” sin duda lo hace, sea de manera imperfecta, desequilibrado. En él se establecen para inspeccionar la increíble plétora de tendencias progresistas europeos que ayudaron a poner en marcha el diseño de Estados Unidos en la década de 1920: los estilos más austeras que salen de la Bauhaus alemana, el movimiento holandés De Stijl y Escandinavia, así como los de Viena, donde Europea diseño moderno se unieron, con opulencia, a la vuelta del siglo.Seguir leyendo la historia principal





Estas influencias fueron absorbidos por los estadounidenses que viajan al extranjero, especialmente a la inmensa exposición de diseño internacional que tuvo lugar en París en 1925, la Exposición Internacional de Artes Decorativas et Industriales Modernas (de ahí Art Deco destila su nombre). Ellos se fomentaron en el hogar mediante exposiciones en museos, tiendas por departamentos, coleccionistas, diseñadores y las tiendas del Wiener Werkstätte en Viena y Cartier en París que se abrió en Nueva York.Foto


Una silla, frente a la izquierda, por Walter von Nessen; un escritorio de madera y una silla de Paul T. Frankl; y un par de puertas dobles lacadas por Séraphin Soudbinine y Jean Dunand. Todos son de la década de 1920. Crédito2017 Jean Dunand / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times

Contra exceso de calidad de diseño de Europa, esta exposición propone un logro Americana de igual importancia: el jazz y - menos prominente - los azules, las formas musicales afroamericanas que son nuestra primera contribución verdaderamente viral al modernismo internacional. Jazz, en especial, a condición de la banda sonora de la década, ayudó a acelerar su metabolismo y relajar sus costumbres sociales. La muestra incluye artistas negros que ayudaron o se refleja la popularidad del jazz, incluyendo el ingenioso Josephine Baker, reina de París, visto en el cine, la fotografía y el trabajo del ilustrador Paul Colin, y el pintor Archibald J. Motley Jr., quien se destacó en que representa baile de la gente, la nueva intimidad, a la nueva música.

Menos visible que el jazz, pero igualmente importante, es el papel desempeñado por los diseñadores extranjeros. Algunos trabajaban desde Europa, al igual que el gran pensador ruso Léon Bakst, quien creó un tejido negro cuadriculado con guirnaldas de flores para el Silk Company Robinson en Nueva York. Pero la mayoría se trasladó a los Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial, que influyen en el sabor y el talento de América y, más específicamente, proporcionar a las empresas estadounidenses con diseños para producir: entre ellos estaban Paul T. Frankl, William Hunt Diederich, Kem Weber y Elsa TENNHARDT.

Si bien refrescante en el enfoque, el espectáculo no acaba de demostrar su punto, porque gran parte de su material es, así, Art Deco. Y la mayor parte connota un estilo de vida rico, moda de vanguardia en París o Nueva York - gran diversión para unos pocos privilegiados.Foto


“Extracto del paisaje urbano” por Winold Reiss en grafito y lápiz de color sobre el papel, a partir de 1929/30. CréditoMatt Flynn / Smithsonian Institution

Tanto “La era del jazz” y su catálogo fueron supervisados por Sarah D. Coffin, un curador en el Cooper Hewitt , y Stephen Harrison, del Museo de Arte de Cleveland, la entidad colaboradora en el programa, con la ayuda de Emily M. Orr. Reúne profundas participaciones los dos museos del diseño americano por primera vez, proporcionando mucho que ver, en gran parte visual e históricamente fascinante.

La exposición, que se inaugura el tercer piso del museo y se derrama sobre el segundo, se inicia en voz baja, casi a la inversa. “La persistencia del buen gusto”, el primero de sus seis secciones, cuenta con un puñado de reproducciones de estilos pasados, incluyendo un servicio de té de estilo Regency guapo y un arcón pintado por Max Kuehne que perteneció a la esposa del siglo 20 el coleccionista estadounidense Albert C. Barnes.

A partir de aquí la extravagancia y la artesanía de alta gama Art Deco, y su olvido social complementaria, es prominente. En “Una nueva mirada a formas familiares” nos encontramos con la exquisita gabinetes hechos a medida de Jacques-Émile Ruhlmann y un sofá góndola majestuosa por Marcel Coard, su curva de acunar de base y brazos hechos de palo de rosa tallado para simular ratán y afilado en latón.Foto


Un detalle de “zorros,” un 10-panel de la pantalla de plegado por Armand-Albert Rateau en madera dorada y lacado, de alrededor de 1921 a 1922. CréditoChang W. Lee / The New York Times

Una sección de “romper las reglas” cuenta con las fruslerías relucientes de un emocionante si bastante caro vida nocturna. Una forma de pajarita broche francesa está hecho de tallado lapislázuli, ónix, coral y jade. Un par de brazaletes de puño de diamantes y platino fueron usados una vez al día por Gloria Swanson. Casos y cigarrillos Bejeweled nos recuerdan que las mujeres no sólo obtuvieron el derecho al voto en la década de 1920, también comenzaron a fumar en público. Donald Deskey de “Fiesta Cenicero” es un estudio en colores pastel para fondo de pantalla animado sembrado de cigarrillos encendidos que evoca las pinturas de Katherine Bernhardt .

Que la cultura afroamericana, mientras apreciado, también fue caricaturizado, es evidente en las figuras de baile en los floreros de cristal por el diseñador italiano Guido Maria Balsamo Stella y un dibujo Paul Colin de una pareja alegre en el que la pareja masculina podría ser con la cara negra. Como si fuera una señal, una pitillera propiedad de una vez por Al Jolson - el ejemplo estadounidense del género - imita una carta, con su nombre y dirección garabateada en su tapa.

“Un mundo más pequeño”, que continúa en el segundo piso, que llama la atención menos armoniosa. El motivo rascacielos domina, por su vez, la explotación forestal, en las formas de muebles de madera pesados ​​de Frankl; aficionados, en una pantalla plegable de plata por Deskey; y jokey, en una silla de corte de metal diseñado para Macy por el diseñador de la lámpara eminente Walter von Nessen. energía de la ciudad es más agudo en un pequeño estudio mural del artista estadounidense de origen alemán Winold Reiss que podría ser obra de arte pop de Roy Lichtenstein.Foto


Un broche por el joyero parisino Boucheron en diamantes, platino, lapislázuli talladas, ónix, coral y jade, desde 1925. CréditoChang W. Lee / The New York Times

La tercera planta finalmente se convierte en muebles (y pinturas) de un no-Deco calaña decididamente, en una abstracción Mondrian está emparejado con Gerrit Rietveld de “rojo, amarillo y silla azul” “Abstracción y la invención.” - ambos clásicos, y una excelente Eiffel pintura de la torre por Robert Delaunay enfrenta a su espacio rueda contra la verticalidad de la silla rígida “pavo real” de Frank Lloyd Wright.

La sexta sección, titulada torpemente “Hacia una era de la máquina y con ganas”, está dedicada a la diseño elegante del estilo internacional esencialista. Cuenta con los muebles de cromo-tubo pionero de los modernos Europea Bauhaus Marcel Breuer, Mies van der Rohe, así como Le Corbusier, así como sus repercusiones menos imponente entre los diseñadores americanos. A la vista de una fotografía del Espíritu de San Luis se aproxima París, en 1927, una cama con armarios empotrados en madera de color miel por el emigrante austriaco Frederick Kiesler sugiere cabina de primera clase de un avión de pasajeros. Por encima de él cuelga imponente “Muerte Go Down”, de Aaron Douglas una pintura de un caballo y jinete alado espectral lagrimeo a través de las nubes en forma de estrella. Sobre la base de una de las ilustraciones de Douglas para 1927 libro de poemas de James Weldon Johnson, “Trombones de Dios”, que se realizó en 1934. La depresión se había llegado; Hitler estaba en el poder. Las cosas se dirigían en todas direcciones sino hacia arriba.

Pero los años 1920 y el estilo que no debe ser nombrado tienen un último hurra, generoso en la parte 2 de “Un mundo más pequeño” en la segunda planta del museo. Que el estilo de brillantez, altivez y el retorno kitsch ocasional en vigor, en espumoso objetos y prendas europeos que se muestran en la exposición de París en 1925 o en otro lugar en el continente. Podría decirse que la mejor parte del espectáculo, esta matriz sugiere que Estados Unidos rara vez se reunió un Art Deco digna de ese nombre - por lo que es muy valiosa para recordarnos de las otras influencias que forman espíritu de diseño del país. También es estimulante la idea de que las definiciones estilísticas son siempre profundamente porosa cuando se mira a la luz del día. Aún así, es justo a apostar que tres pequeños sílabas de Art Deco es probable que permanezca en uso.


La edad del jazz: estilo americano en la década de 1920
hasta el 20 de agosto en el Cooper Hewitt, Smithsonian Museo del Diseño, Manhattan; 212-849-8400, cooperhewitt.org.

Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels (Paris, France); Platinum, carved rubies, diamonds; L: 41.3 cm (16 1/4 in.); The Adrien Labi Collection;

Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels (Paris, France); Platinum, carved rubies, diamonds; L: 41.3 cm (16 1/4 in.); The Adrien Labi Collection;

Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels


domingo, 2 de abril de 2017

Adiós al ‘miedo a Trump’: se reactivan los precios y vuelve a crecer la demanda




Adiós al ‘miedo a Trump’: se reactivan los precios y vuelve a crecer la demanda
por Ignacio Gutiérrez Zaldívar para El Cronista


Ya han pasado los temores por el efecto de Trump sobre el mercado del arte y las acciones suben y el negocio arrancó con un índice nunca visto de obras colocadas con sólo unas pocas sin llegar a sus bases y estimaciones. Por caso, las dos grandes subastadoras han realizado cerca de 100 remates en 10 países y el optimismo está presente en todas ellas.

En este sentido, los datos del primer trimestre de 2017 evidencia que estos tres meses del año se destacan por la mejor selección y bases de lo ofrecido, lo cual ha permitido un porcentaje de ventas superior al histórico, y un fuerte crecimiento de la ventas online, que ya se ubican en el orden de los u$s 6000, y que todo los años duplica el monto del anterior. Hubo buenas ventas en París de pintura antigua, y hasta se pagaron u$s 8 millones por un Francesco Guardi. También se destacan varios récords como contáramos de Diego Giacoametti, y grandes precios en las ventas londinenses y en las semanas de arte chino en Nueva York. Es más, para entender parte de lo que ocurre se puede aclarar que el gran motor son los chinos que compran en todas partes y se llevan los lotes más valiosos. De todos modos, en mi visión, el gran envión ha sido dado por las compras para formar museos. Hay que pensar que en los últimos 15 años se han creado más museos que en todo el siglo XIX y XX juntos.

Como hemos contado, el año pasado fue de baja en el monto de lo facturado por las casas de subasta que han vendido cerca de un 30% menos. Sin embargo, las ventas privadas y las galerías de arte han vendido mucho más y el volumen total creció 2%. Es importante destacar que es China la que hoy domina el mercado de remates, con sus casas locales de venta que representan el 38% de lo subastado. Luego se ubican las casas con sede en Estados Unidos con el 28%; las de Inglaterra con el 17% y las que operan en Francia con el 5%.

Las tres ciudades con mayores ventas a nivel mundial son Nueva York, Beijing y Londres. En el caso de los artistas más demandados, son Picasso, con ventas publicas por u$s 324 millones y posiblemente más de u$s 1000 millones sumando las privadas. Luego se encuentra el alemán contemporáneo Gerhard Richter de 82 años y con ventas públicas por u$s 190 millones. Tercero se destaca la obra de Basquiat, con u$s 171 millones, y un deprimido mercado de Andy Warhol con tan sólo u$s 163 millones en ventas en remate.

En cuanto a las obras multimillonarias que se vendieron en más de u$s 10 millones durante 2015 fueron 140 contra solamente 82 el año pasado.

Pero no todo son récords, ya que el 50% del mercado se nutre de ventas inferiores a u$s 1000. De hecho, si tomamos los lotes en oferta, el 96% se ha vendido en menos de u$s 50.000.

El aumento de precios en el Siglo XXI es de un promedio del 70% y una inversión en arte representa un aumento de valor del 6% anual. Lo preferido del mercado son las obras europeas. Representan un 35% de lo vendido, pero ya el arte de origen chino se acerca al 30% mientras que el arte americano araña el 15% y el inglés se ubica en el 6%. De las ferias, hay que destacar la de Maastricht en los Países Bajos, que creo es la mejor de todas y tiene 30 años superándose. En el caso de Buenos Aires, recién ahora comienzan las ventas y veremos cómo funcionan. En este marco, la casa de subastas Bullrich anuncia la venta de un importante Prilidiano Pueyrredón que debería superar los u$s 200.000.

domingo, 26 de marzo de 2017

Andrés Aizicovich es el ganador del Premio Braque 2017

Andrés Aizicovich es el ganador del Premio Braque 2017
Las menciones honoríficas fueron para Pablo Insurralde, Alan Segal, Marcelo Galindo, Valeria Traversa y Juan Tessi
información de prensa



El artista recibe una residencia durante 6 meses en la Cité Internationale des Arts y un espacio de exposición en el Palais de Tokyo
La Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), junto a la Embajada de Francia en Argentina, el Institut Français y el Palais de Tokyo inauguraron la muestra del Premio Braque 2017 en el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo con obras de 30 artistas argentinos convocados por las curadoras Florencia Battiti, Hélène Kelmacher, Florencia Qualina y Diana Wechsler con la asistencia de Benedetta Casini. El ganador del Premio resultó ser Andrés Aizicovich por su obra Relación de dependencia. Mediante este reconocimiento, el Institut Français pone a disposición una residencia durante 6 meses en la Cité Internationale des Arts y el Palais de Tokyo ofrece un espacio de exposición para el artista.
El jurado de premiación, formado por Yoann Gourmel, curador del Palais de Tokyo, Yann Lorvo, director del Institut Français, y Aníbal Jozami, rector de la UNTREF, fue el encargado de dar el veredicto. Junto al ganador del Premio fueron distinguidos con menciones de honor Pablo Insurralde, Alan Segal, Marcelo Galindo, Valeria Traversa y Juan Tessi.
Los artistas recibieron sus reconocimientos de mano de Aníbal Jozami, acompañado por Federico Pinedo, presidente provisional del Senado de la Nación, Horacio García, director nacional de Migraciones, Diana Wechsler, subdirectora del MUNTREF, y Martín Kaufmann, vicerrector de la UNTREF.
Aníbal Jozami destacó que “el verdadero premio es participar de esta exposición, ya que es una de las muestras más significativas que se ha hecho en nuestro país y por eso los 30 artistas que la conforman, con obras de altísima calidad, estarían en condiciones de merecer el premio”.
La obra de Aizicovich, Relación de dependencia, se trata de una instalación y a la vez una acción performática que el artista realiza en colaboración con la ceramista Cecilia Ojeda. La pieza consiste en un dispositivo escultórico que se activa gracias a la fuerza motriz de dos participantes; una bicicleta fija conectada por un sistema de poleas a un torno de alfarería. Gracias al movimiento impulsado por el ciclista, el torno gira y le permite al alfarero modelar la arcilla. En el proceso, ambos negocian, discuten y se interrumpen trazando interrogantes sobre la comunicación como puente entre individuos, la naturaleza de la praxis artística y la creación no como un hecho espontáneo, sino como un ejercicio transaccional entre interlocutores. Al repetirse la acción en distintas jornadas, la obra deja como resultado un cúmulo de vasijas; así, la acción equipara la transpiración del ciclista y la acumulación de recipientes como remanentes residuales de la interacción y las fricciones de un diálogo.
La obra, asimismo, opera a la manera de un experimento social en el que diversas relaciones interpersonales (entre socios laborales, padres e hijos, parejas sentimentales, amigos) asumen los roles de ciclista y alfarero para poner en práctica los intercambios, jerarquías, transferencias y flujos que se manifiestan en los vínculos relacionales.
Durante tres meses se exhibirá esta selección de arte argentino contemporáneo bajo la órbita de uno de los premios más antiguos y prestigiosos del campo artístico en la Argentina. Se trata de la 3ª edición de la segunda época de este premio histórico que se iniciara en 1963.


El Premio Braque tiene la particularidad de estar conformado por artistas que han sido invitados; esto implica un reconocimiento a sus trayectorias y también una apuesta para expandir sus posibilidades profesionales futuras.
La exposición está formada por obras de: Andrés Aizicovich, Nicanor Aráoz, Joaquín Aras, Amadeo Azar, Daniel Basso, Sofía Bohtlingk, Martín Carrizo, Cecilia Catalin, Pablo Cavallo, Alejandro Chaskielberg, Laura Códega, Elena Dahn, Valentín Demarco, Marcelo Galindo, Diego Haboba, Pablo Insurralde, Iumi Kataoka, Pablo La Padula, Carolina Magnin, Alexis Minkiewicz, Mariano Molina, Aimé Pastorino, Débora Pierpaoli, Mariela Scafati, Alan Segal, Mariana Sissia, Juan Tessi, Valeria Traversa, Leila Tschopp y Nahuel Vecino.
El criterio de selección de los artistas se definió a partir de la necesidad de pensar y exhibir un panorama amplio que dé cuenta de la diversidad de esta escena, que favorezca la coexistencia de distintas generaciones, en el que convivan artistas emergentes con los que sostienen trayectorias plenamente consolidadas. El desarrollo de las obras contó con el acompañamiento profesional de los curadores y el equipo de producción de la UNTREF.
“Aproximarnos a su historia nos permite leer la emergencia y consolidación de movimientos estéticos, encontrar nombres fundamentales para el arte moderno local, como Delia Cancela y Pablo Mesejean, Emilio Renart, David Lamelas o Rogelio Polesello, y a artistas contemporáneos, como Lux Lindner, Jorge Macchi o Sebastián Gordin, plenamente activos en el presente; sin olvidar la centralidad que la estadía parisina tuvo para gran parte de los artistas del siglo XX”, explican los miembros del jurado de selección.
En tanto, en el MUNTREF – Museo de Artes Visuales - Sede Caseros, se presentará a partir de abril la muestra histórica del Premio Braque (trayectoria 1963-1998) resultado de una exhaustiva investigación incubada en el marco de la Maestría en Curaduría en Artes Visuales de la UNTREF por Lucie Haguenauer.
El Premio Braque se destaca como un espacio institucionalizado que produce un corpus inmenso de obras que lo atraviesan en las muestras anuales en Buenos Aires y las realizadas durante la estadía en París. A un enfoque social, se le suma una perspectiva warbugiana que pone el foco en las imágenes y permite ordenar a partir de un método de “conocimiento por montaje” un corpus que fue producido durante más de 35 años en la Argentina y Francia.
Este Premio fue un espacio y una institución clave para los jóvenes artistas argentinos, sirvió como un espacio de experimentación, de presentación en la escena artística y de formación profesional. Construyó su prestigio en la época de su creación y a largo plazo integrando lo “joven” en una visión amplia y abarcadora de poéticas y lenguajes muy variados.
Concebida como una travesía a lo largo de la historia del Premio, la exposición, que reúne obras de juventud de cerca de 50 artistas, exhibe el espíritu que lo guio, las tensiones que lo atravesaron y su impacto en las trayectorias de los artistas y en la historia del arte argentino.
De esta forma podrá asistirse a la historia y al presente de un premio que no solo exhibe ejemplos significativos del arte contemporáneo en cada edición, sino que también expone la relación sostenida entre proyectos culturales impulsados por el MUNTREF en colaboración con otras instituciones, en este caso la Embajada de Francia, el Institut Français y el Palais de Tokyo.

La muestra podrá visitarse de martes a domingo, de 12:00 a 20:00 hs., en el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo, Sede Hotel de Inmigrantes. Ubicado en Av. Antártida Argentina (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus). Entrada por Apostadero Naval, Puerto Madero.

lunes, 20 de febrero de 2017

BADA 2017 en LA RURAL - Abierta la convocatoria para artistas visuales - 6ta edición de la feria de arte contemporáneo "directo de artista" -


BADA 2017 en LA RURAL - Abierta la convocatoria para artistas visuales - 6ta edición de la feria de arte contemporáneo "directo de artista" - 

Del 31 de agosto al 3 de septiembre (inclusive)



Recibidos
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BADA 2017 en La Rural

6ta edición de la feria de Arte Contemporáneo “directo de artista”.
Del 31 de agosto al 3 de septiembre de 2017
en el Pabellón Verde de La Rural.
Ya está abierta la inscripción para participar en la feria.
Artistas interesados, contactarse a:  info@directodeartista.com.ar


www.directodeartista.com.ar


Ana Spinetto Producciones presenta la 6ta edición de BADA, feria de Arte Contemporáneo que, con su formato de “venta directa de artista”, innovó en la forma de comercializar arte en nuestro país. BADA 2017 se realizará del 31 de agosto al 3 de septiembre en el Pabellón Verde de La Rural, predio ferial de Buenos Aires.
Ya está abierta la convocatoria para la inscripción de artistas visuales. Las Bases y Condiciones están disponibles en www.directodeartista.com.ar y los interesados pueden enviar 3 fotos de sus obras y CV a info@directodeartista.com.ar
La edición 2016 de BADA-Boutique de Arte Directo de Artista fue un éxito: en cuatro días cerca de 50.000 personas visitaron los 8.000 m2 de esta gran feria de arte contemporáneo y apreciaron las producciones de 250 artistas, consagrados y emergentes. Todas las disciplinas del arte estuvieron presentes, obras de dibujo, pintura, escultura, arte textil y digital, fotografía, grabados, instalaciones, objetos intervenidos por artistas, body painting, performance y Arte Urbano en vivo.
El formato de “venta directa de artista” llegó para quedarse y presenta una nueva alternativa al circuito tradicional de galerías.
BADA es una feria de arte contemporáneo creada especialmente para facilitar la llegada de un público que no necesita tener profundos conocimientos de arte. BADA apoya la interacción entre artista y público, y fomenta el coleccionismo accesible sin intermediarios:
· Busca impulsar nuevos artistas y dar a conocer sus obras.
· Promueve la compra de obras originales de forma directa y accesible. Entre sus trabajos de diversos formatos, los artistas deben presentar 10 obras “boutique” de 20 x 30 cm, a un precio de hasta $1.500.- (en la edición 2016). Para facilitar el llevar obra “lista para colgar”, los compradores tienen la posibilidad de enmarcar estas obras dentro de la misma feria.
· Estimula el coleccionismo y el regalar arte con propuestas artísticas muy diversas, además de la posibilidad de conocer personalmente a los artistas detrás de las obras.

Acerca de BADA Boutique de Arte Directo de Artista

(www.directodeartista.com.ar)

En 2009, Ana Spinetto, artista plástica, trajo el formato “directo de artista” a la Argentina con Arte Sí-Supermercado de Arte, en el Hipódromo de San Isidro. En 2012, lanzó BADA-Boutique de Arte Directo de Artista en Pilar. Esta feria se creó para promover la difusión del Arte Contemporáneo ante el público en general. BADA se instaló como un nuevo polo de Arte en el mercado local; constituye un encuentro más sencillo y directo entre los artistas y quienes aprecian su obra. Esta propuesta ha potenciado el acercamiento de gente que no frecuenta el circuito de galerías de arte o remates, pero valora el arte en sus diferentes manifestaciones y le interesa adquirir obra de un modo más fácil y espontáneo.
BADA es un nuevo canal de difusión de arte contemporáneo que se integra a la dinámica tradicional de divulgación del Arte en nuestro país. Durante sus cinco ediciones, más de 80.000 personas conocieron BADA, su propuesta de encontrar obras “directo de artista” y las producciones más destacadas de artistas contemporáneos.
En BADA, los artistas comparten con el público un instante clave en el proceso creativo de sus obras. Los visitantes se entusiasman con el hecho de conocer personalmente a los artistas, hablar sobre su obra, vivir una experiencia muy original de apreciación del arte con la posibilidad –el valor- de acercarse a esos genios creadores.
En las cinco ediciones de BADA participaron 710 artistas, consagrados y emergentes.
Para saber más sobre BADA, visitar la página Web: www.directodeartista.com.ar