lunes, 23 de abril de 2018

empece a dibujar la vida real


ARTE


Por Stella M. Brieva para ArquiNoticias GdMd
" Deje de ir a cócteles, deje de ir a reuniones con intelectuales y empecé a dibujar la vida real " dijo Guillermo Roux



El dibujo está en el origen de todas las artes . Es un gesto fundacional, su apertura iniciática a un mundo que reducido a su versión, más austera , no deja de indicar una singularidad: la de quien traza líneas sobre el plano abriendo un nuevo horizonte espacial. 
Gesto desnudo, acto puro de creación, tiene la potestad de postular un recomienzo. 
Esa carga dramática se ve extremada cuando las condiciones de trabajo son reducidas a su mínima expresión, cuando los recursos limitados de que se dispone proponen un auténtico desafío el de volverlos versátiles en su interacción con el mundo. 
Para Roux " DIARIO GRÁFICO " es la oportunidad de saciar su deuda con un público al que no había podido acercarse antes del modo que le hubiese gustado. 
Pleno a sus 88 años  hoy decide tomar las calles y las paredes del Bellas Artes y de la Casa Central de la cultura popular para decir

AQUÍ ESTOY VIVO Y ME QUIERO DIVERTIR
Cecilia Medina Curadora


Cecilia Medina, la curadora de “Diario Gráfico”, explicó que “lo que estamos viendo acá, 
en el MNBA  respecto al contenido de la muestra, consideró que “los dibujos que Roux comparte aquí hablan de la realidad, de su contexto, y de cómo fue reincorporándose socialmente a partir de la prolongada internación que tuvo que atravesar”. 
Con esta exposición, “la gente puede llegar a Roux”, aseguró.

Una exposición sin precedentes en el arte argentino: por primera vez en la historia el Museo Nacional de Bellas Artes será una de las dos sedes de una muestra cuyo recorrido se completará en la Casa de la Cultura Popular Villa 21-24.




El artista argentino Guillermo Roux confesó: “estos trabajos son el resultado de muchas noches de insomnio en las que no encontré otra solución más que dibujar”

¿Qué es? Diario Gráfico es una exhibición que acerca dibujos realizados por Guillermo Roux. Reúne 290 dibujos realizados con birome en sus cuadernos personales, entre agosto de 2015 y diciembre de 2017. Algunos de ellos dan cuenta de su visión del mundo que lo rodeaba al regresar a su casa de Martínez luego de una prolongada internación. Le siguen los que fueron el inicio del comienzo de su rehabilitación: la pileta, su kinesióloga y las personas con las que alternaba esas primeras sesiones que le devolvieran movilidad e independencia.












domingo, 22 de abril de 2018

Murió en Oman el DJ Avicii 20-4

NOTICIAS - MÚSICA - DIGITALES 
El Maradona de la música Electrónica, muere a los 28 años 


video: Avicii Recital En Vivo Levels Wake Me Up Tomorrowland



video: publicidad de Coca Cola

Avicii vs. Conrad Sewell - Taste The Feeling


22-4 Avicii, la primera víctima de la nueva música electrónica de baile 
nota en El País de Madrid

Desde el éxito en 2011 con 'Levels', todo fue hacia arriba a máxima velocidad en la vida del DJ sueco
Tim Bergling, el joven sueco al que llevábamos años conociendo artísticamente como Avicii, nos ha dejado. 
Murió este viernes lejos de su ciudad natal con apenas veintiocho años de edad y justamente diez después de que iniciara su carrera musical. 
Una década que empezó modestamente, conquistando un puerto de montaña tras otro, hasta que el éxito masivo llamó a su puerta en 2011 con ese rotundísimo sencillo que era Levels, una canción de electrónica para todos los públicos, adictiva y que sampleaba a la mismísima Etta James. A partir de ahí, todo fue hacia arriba a máxima velocidad.
Nota completa

martes, 23 de enero de 2018

Rodin, Kiefer y la arquitectura-cuerpo

La Barnes Foundation confronta su obra
Philadelphia, 

Como les avanzábamos el verano pasado, en 2017 se conmemoró el centenario de la muerte de Auguste Rodin. El MET le dedicó una exhibición, Vincent Lindon lo interpretó en un biopic y, hasta el próximo marzo, la Barnes Foundation de Philiadelphia acoge, tras su paso por el museo del escultor en París, “Kiefer Rodin”, una exhibición que confronta obra reciente del artista alemán con esculturas, dibujos y escritos del francés en los que se inspira de forma más o menos explícita.
Fue en 2013 cuando el Musée Rodin comenzó a tantear la idea de proponer a un creador contemporáneo el estudio, desde su enfoque personal, de Catedrales de Francia, un libro al que Rodin dio forma en 1914 (1), con la colaboración de Charles Morice, recogiendo los apuntes dibujísticos de estos templos que había llevado a cabo durante sus numerosos viajes por su país.
Kiefer se hizo cargo del proyecto pero, en lugar de trabajar en una nueva edición de las Catedrales, como era el plan inicial, decidió ir más allá y dejarse llevar por la atracción por los yesos de Rodin –algunos de ellos, raramente presentados al público, se exponen aquí– y generar a partir de ellos un nuevo cuerpo de obra, así como crear un conjunto de pinturas nacidas de su observación de los esbozos y acuarelas de aquel.
El resultado es una puesta en diálogo de dos artistas que han compartido su devoción por las ruinas arquitectónicas y su adopción de procesos creativos enraizados en la noción de mutabilidad y en el trabajo a partir de las posibilidades del fragmento.
Precisamente en Catedrales de Francia Rodin lamentaba el estado en que se encontraban estos edificios en los inicios del siglo pasado, sobre todo las catedrales góticas, que él ensalzaba como grandes logros en la historia humana, no solo en la historia del arte, y también consideraba fuentes de inspiración para su propia producción. Es fácil conectar esa preocupación del escultor por el patrimonio nacional con las profundas reflexiones de Kiefer sobre la identidad alemana, expresadas en grandes y muy expresivos lienzos en los que el autor se enfrentaba al pasado en su gloria y su devastación.


Auguste Rodin. Brazos, manos y huesos. © Musée Rodin
Auguste Rodin. Brazos, manos y huesos. © Musée Rodin

Al margen de temáticas, se hace evidente que muchos procedimientos de trabajo de Rodin han interesado también a Kiefer: sus formas corporales que parecen ásperas, y que resultaban inacabadas conforme a los cánones tradicionales, revelan procesos creativos desordenados en los que utilizaba continuamente fragmentos escultóricos (brazos, piernas, cabezas), ensamblando y volviendo a ensamblar para dar lugar a piezas nuevas. Dado que la propia práctica de Kiefer puede describirse como un continuo ejercicio de desmontaje y reconfiguración, encontró en Rodin un maestro al que volver, una referencia urgente de facetas inacabables.
Del francés en Philadelphia pueden verse La mujer en cuclillas (1906-1908) o Meditación sin brazos (hacia 1900), esculturas que nos hablan de su amor por esas formas fragmentadas y de su enfoque tan crudo como sensual a la hora de representar el cuerpo de la mujer, así como montajes de su estudio y pequeñas esculturillas en las que combinó trozos de obras anteriores con materiales tomados de antigüedades o desechados.
También exhibe la Barnes Foundation algunas notas y dibujos sobre las catedrales galas y otros dibujos y acuarelas en los que Rodin ahondó en las relaciones entre la arquitectura y el cuerpo humano, ya abordadas en la antigüedad.
Del alemán, podemos examinar libros ilustrados de grácil erotismo realizados siguiendo los pasos de Rodin, viajando catedral a catedral. En ellos asocia sus construcciones, igualmente, con el cuerpo femenino. También yesos y esculturas que remiten a formas cautivas aún por eclosionar, a verdades primigenias no embellecidas, y la serie de pinturas monumentales Auguste Rodin: The Cathedrals of France, que rinden homenaje al libro original del escultor y muestran torres ennegrecidas que parecen desaparecer absorbidas por la pintura. Hay que recordar que, en la producción del alemán, la arquitectura ha tomado valor metafórico del ciclo de nacimiento y de la muerte.


Auguste Rodin. Mujer besada por un fantasma, 1900. © Musée Rodin
Auguste Rodin. El beso del fantasma a la doncella, 1900. © Musée Rodin




Anselm Kiefer. Les Cathédrales de France, 2013. © Anselm Kiefer
Anselm Kiefer. Les Cathédrales de France, 2013. © Anselm Kiefer


“Kiefer Rodin”
2025 Benjamin Franklin Parkway
Philadelphia
Del 17 de noviembre de 2017 al 12 de marzo de 2018

(1)

"Catedrales de Francia" de Rodin


Me gustaría inspirar un amor por este gran arte, para venir al rescate de todo lo que aún permanece intacto; para salvar a nuestros hijos la gran lección de este pasado que el presente malinterpreta.
En este deseo me esfuerzo por despertar intelectos y corazones para comprender y amar.
-Auguste Rodin, Las catedrales de Francia
Auguste Rodin era un mujeriego agresivo hasta bien entrada la vejez. El amor por la belleza que le servía noblemente como escultor lo servía como un hombre con notable diferencia. Francis Haskell lo describió como "Nunca un hombre con mucha convicción moral excepto en la práctica y defensa de su arte". Por ahora, entonces, mejor quedarse con el amor del escultor por la belleza tal como se manifestó en su apasionada admiración por los monumentos exaltados de la cristiandad .
Rodin mantuvo notas voluminosas, pero escribió un solo libro:  Catedrales de Francia , publicado originalmente en Francia en 1914 cuando Rodin tenía setenta y cuatro años. No fue traducido al inglés hasta medio siglo después. Beacon Press compensó ese sorprendente lapso con su edición de 1965 bellamente impresa, ilustrada con bocetos de los cuadernos.
El texto no es un tratado arquitectónico. No hace ningún intento de evaluación académica o observación metódica. Compilado día a día a través de visitas periódicas a numerosas catedrales, es completamente obra de un artista que justifica sus apegos personales. Y hacerlo en términos de su oficio.
Durante décadas, Rodin tomó notas sobre lo que observó e hizo bocetos rápidos a lápiz o lápiz. En 1908 contrató a un secretario -primero el poeta simbolista Charles Morice, con poca suerte; luego Rilke, para sacrificar los pasajes de la catedral en preparación para la publicación. Tenía la intención de reavivar la sensibilidad del público a la dignidad y majestuosidad de su herencia románica y gótica. (Y, debería agregarse, para estimular el apoyo a sus propios cánones escultóricos que absorbieron tanto del acomodo gótico del claroscuro). "Toda Francia está en sus catedrales", escribió, "ya que toda Grecia está representada por el Partenón". "
Es cuestionable hasta qué punto el tenor de la prosa de Rodin, que a menudo va en aumento con el exceso y las tensiones simbolistas de Mallarmé, se debe a Charles Morice:
Esta es una mañana pintada por Claude Lorrain, admirable en profundidad. La primavera está aquí. Yo respiro en el deleite de las mañanas de primavera. El gallo anuncia el día. Se exhala un inmenso suspiro. Oh maravilla! La tierra en amor! Paisaje fresco y feliz!
Sin embargo, las bases del juicio son indiscutiblemente propias de Rodin. Somos más ricos para ellos, informados en su punto y barrido por el conocimiento de la antigüedad clásica, especialmente el arte y la historia griegos.

Los lectores de hoy deben descartar un chovinismo excesivo que sea en parte etnocentrismo, en parte un desprecio por el carácter de la modernidad misma. Rodin tenía poca paciencia para lo que él veía como los productos y sistemas mecanizados de la era industrial:
¿Acabará el genio de nuestra raza al desaparecer como esos fantasmas pálidos y formas desaparecidas que ya nadie ve? ¿Era en tiempos históricos o míticos que la Catedral, remando en el espacio por sus contrafuertes, desplegadas todas las velas, la nave francesa, la victoria francesa, bella en cuanto a la Eternidad, abría en su ábside las alas de un grupo de ángeles arrodillados? .
Pero la arquitectura ya no nos toca. Las habitaciones en las que aceptamos vivir no tienen carácter. Son cajas atestadas de muebles. ¿Cómo podemos entender la unidad profunda de la gran sinfonía gótica?
Con respecto a la frecuente crudeza de los esfuerzos de restauración del siglo diecinueve, el disgusto de Rodin por la modernidad era bien ganado y, al mismo tiempo, más moderno de lo que él sabía. Su defensa del gótico secundó la defensa anterior de Victor Hugo de la preservación de edificios históricos. ("Lo entendía como un poeta, porque las catedrales son vastos poemas".) Rodin prestó su voz al todavía joven movimiento para codificar principios y prácticas en el mantenimiento de las reliquias culturales. Leer sus evaluaciones del vandalismo en nombre de la restauración sigue siendo tan instructivo como lo fueron a principios del siglo XX.
Era hostil a cualquier método que estropeara lo viejo para armonizarlo con lo nuevo. Comentando sobre el frontón de Reims, él distinguió entre el aguilón derecho dañado pero todavía original y su pieza colgante retocada. El hastial derecho, intacto, todavía tenía el poder de despertar el entusiasmo del escultor. No es así su compañero reconstruido:
Pero mira cómo el otro frontón, restaurado, rehecho, es deshonrado. Los aviones ya no existen. Es pesado, trabajado frontalmente, sin perfiles, sin equilibrio de volúmenes. Para la Catedral, que se inclina hacia adelante, este frontón es un peso enorme sin peso compensatorio. Oh, este Cristo en la Cruz, restaurado en el 19 º siglo! El iconoclasta que creía haber arruinado el frontón no causó gran daño. ¡Pero el restaurador ignorante! Mediante una restauración tan pesada, el equilibrio cambia.
¡Como si fuera posible reparar estas figuras y adornos maltratados por los siglos! Tal idea podría nacer en mentes que son ajenas a la naturaleza del arte y a toda la verdad.
La vida personal de Rodin ejemplificó la falta de reciprocidad entre el amor a la belleza y la acción moral que los cultistas de belleza ejercen sobre los matices. Vista a la luz de un grupo de amantes que se deshacen de su voluntad con una esposa mejor-que-nunca-tarde-nunca-amada, sus muchas referencias a la forma femenina y los matices femeninos de los elementos redondeados resuenan de forma involuntaria. Las analogías castas a la arquitectura no disimulan por completo la concupiscencia que acecha incluso en la charla de tipo trascendental. Rodin hace de Mujer -cómo decirlo- una hermosa pieza de moldura arquitectónica. Al igual que Venus de Milo ("la primera fuente de alimento para mi intelecto"), ella es toda gracia y convexidad. Y, como una balaustrada curva, invitando a la mano.
Dejando a un lado la exageración de la prosa francesa del siglo XIX, Rodin logra revelar "las grandezas del alma gótica" mejor que su Guía Verde Michelin . No hay lugares obligatorios para consumir. Solo hay un espíritu de lugar para saludar y saborear. Episódico y personal, Catedrales de Francia es una serie de asociaciones y descripciones líricas que dirigen la atención a iglesias menores como las de Chambord o Étampes. Como Rodin sabía: "A menudo aprendemos mucho más de cosas pequeñas que de grandes". Y con él como compañía, vemos los edificios con más simpatía que las anatomías, encarnaciones de un élan que es mucho más que estilo.

Una inmersión profunda en el Cerebro, dibujado a mano por el padre de la neurociencia

ARTE - CIENCIA 18-1-2018
Los dibujos de avanzada de Santiago Ramón y Cajal son innegables como arte.
Por ROBERTA SMITH para New York Times



De izquierda a derecha: un diagrama que sugiere cómo podrían los ojos transmitir un cuadro unificado de la realidad al cerebro, una neurona de Purkinje del cerebelo humano y un diagrama que muestra el flujo de información a través del hipocampo. CreditSantiago Ramón y Cajal
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No es frecuente que mires una exposición con la ayuda del mismo aparato ese es su tema. 
Pero así es con "El hermoso cerebro: los dibujos de Santiago" Ramón y Cajal "en la Galería de Arte Grey de la Universidad de Nueva York, una de las más inusuales y deslumbrantes exposiciones de la temporada.



Presenta 80 pequeñas representaciones de libretas en combinaciones cambiantes de tinta y lápiz por el neuroanatomista español Santiago Ramón y Cajal (1852-1934) que están consideradas entre las mejores ilustraciones científicas del mundo. 

Juntos describen un mundo subterráneo fantástico de formas flotantes, redes lineales, nodos erizados y energías torrenciales. 
Posicionan la cosa entre tus oídos como un inmenso universo cósmico, o al menos una de las creaciones más intrincadas de la naturaleza. 
Que las imágenes también son innegables, ya que el arte sólo se suma a la complejidad de la experiencia.

Cajal es considerado el padre de la neurociencia moderna, tan importante en su campo como Charles Darwin o Louis Pasteur están en la suya (aunque relativamente desconocida fuera de ella). 
Sus descubrimientos, realizados durante la última docena de años del siglo XIX, se refieren a la forma en que las neuronas, los componentes básicos del cerebro, la médula espinal y el sistema nervioso, se comunican entre sí. 
Su teoría, inmediatamente aceptada por la mayoría, pero no probada estrictamente hasta la década de 1950, fue que las neuronas están en contacto sin tocarse. 
Se comunican a través de brechas infinitesimales conocidas como hendiduras sinápticas. 
A través de una transmisión química y eléctrica, el axón de tallo único de una neurona se comunica con la dendrita ramificada de otra raíz.

Este proceso de mensajes sinápticos entre células desconectadas llegó a llamarse la Doctrina Neuronal, y en 1906, le valió a Cajal el Premio Nobel de Fisiología o Medicina. 
Lo compartió con el histólogo italiano Camillo Golgi, quien había ideado un nuevo método para teñir tejido que seleccionaba células individuales bajo el microscopio en lugar de presentar masas ilegibles enmarañadas. 
Una ironía del premio conjunto (por revelar la estructura del sistema nervioso ) es que Golgi no estaba convencido de la Doctrina Neuronal y era fiel a la teoría reticular, que veía a las neuronas como físicamente conectadas.En su investigación, las dos herramientas de Cajal eran el microscopio más poderoso que podía encontrar y una de las técnicas artísticas más antiguas conocidas por la humanidad: el dibujo, para el cual tenía un gran talento. 
Mirando a través de la lente, vio con tanta agudeza y dibujó con tanta precisión (a mano alzada) que algunas de sus representaciones aún aparecen en los libros de texto. 
Y sin embargo, también dibujó con tanta delicadeza y vivacidad que sus dibujos se destacan por sí mismos como maravillas de la expresión gráfica, misteriosa y familiar.
"Axón de las neuronas de Purkinje en el cerebelo de un hombre ahogado", un dibujo a tinta y lápiz. Instituto decréditoCajal, Madrid

Los dibujos son a la vez un hecho bastante duro si conoce su ciencia. 
Si no lo hace, son fondos profundos de motivos sugestivos en los que la imaginación puede sumergirse. Sus líneas, formas y diversas texturas de punteado, rayas y círculos de lápiz tenues serían la envidia de cualquier artista moderno. 
Que se conecten con el dibujo surrealista, la abstracción biomórfica y los exquisitos garabatos es solo la mitad.Estas pequeñas obras evocan suficientes cosas que ya conoces: paisaje, sistemas climáticos, árboles, vida marina, que te devuelven a la realidad, implicando los múltiples propósitos si no la universalidad de ciertas estructuras naturales. 
Los sistemas de raíces, que funcionan de diferentes maneras, se encuentran en árboles, nabos y la neurona piramidal, que Cajal llamó "la noble y enigmática célula del pensamiento".
Nacido en Navarra, hijo de un médico, Cajal era un niño artístico rebelde, con una innata desconfianza de la autoridad y una propensión obsesivo-compulsiva. 
A los 8, según el catálogo, dibujó todo a su alrededor y luego se dispuso a recoger todo lo relacionado con las aves. 
Se enseñó a sí mismo la fotografía, haciendo autorretratos cuidadosamente planteados a lo largo de su vida. 
Y se entrenó como artista, pero su padre lo engatusó hacia la medicina al enlistarlo para hacer dibujos anatómicos como material didáctico. 
El hijo fue a la escuela de medicina y finalmente encontró su vocación de investigar el funcionamiento extremadamente refinado y casi invisible del cerebro. Fue un área de estudio emocionante en ese momento y fusionó perfectamente sus diversos intereses y talentos.

"Células gliales de la corteza cerebral de un niño", un dibujo de 1904. Instituto Cajal deCrédito, Madrid


Este espectáculo, la primera exposición de los dibujos de Cajal en este país, se originó en la Universidad de Minnesota y continúa en mayo en el Museo MIT en Cambridge, Massachusetts. 
Fue seleccionado de los aproximadamente 2,900 dibujos que Ramón y Cajal hizo en su vida; todos provienen del Instituto Cajal de Madrid, que organizó el espectáculo con el Museo de Arte Weisman de la universidad y tres neurocientíficos de su facultad: Eric A. Newman, Janet M. Dubinsky y Alfonso Araque. 
El catálogo es un tesoro absoluto, sin jerga técnica, con excelentes reproducciones y un ensayo biográfico iluminador de Larry W. Swanson, neurobiólogo y autor de "Brain Architecture" (2002). 
Los valores atípicos del grupo son Lyndel King, director y comisario jefe de Weisman y Eric Himmel, editor en jefe de Abrams Books (el editor del catálogo),

Los dibujos despertarán el asombro estupefacto de los entusiastas del arte, que usan sus cerebros sin saber cómo funcionan, y la excitación de los tipos de neurociencia que visitan. 
Le pregunté a un espectador locuaz, evidentemente bien informado, si la "materia gris" era un coloquialismo o un término de la ciencia. 
Aprendí que es un término de la ciencia que se convirtió en un coloquialismo: el cerebro tiene materia gris, que contiene células, y también materia blanca, que es fibrosa.
Los 80 dibujos aquí se hicieron entre 1890 y 1933, y están divididos en cuatro secciones. 
"Células del cerebro" presenta algunos de los elementos básicos, que comienzan con las neuronas piramidales e incluyen los nidos pericelulares que los rodean como sombreros puntiagudos, o la escultura de Eva Hesse, y avanzan hacia las neuronas de Purkinje tipo coral (del humano y el cerebelo de paloma )
En "Sistemas sensoriales", encontrará varias de las obras maestras del espectáculo: "Células en la retina del ojo", una pila vertical de texturas y líneas y formas que se cruzan, sugiere un colgante de pared de un artista de fibras muy ambicioso de los años 50 . 
Los dibujos para la retina del lagarto y el gorrión evocan árboles en espaldera. 
La tinta azul añadida a las formas peninsulares de "El laberinto del oído interno" las vuelve sólidas. 
Y el "final del nervio vestibular" wagneriano se ve barrido por corrientes diagonales y neuronas en aumento.
"Retina del lagarto", 1911. Instituto Cajal deCrédito, Madrid


"Desarrollo y Patología" está plagado de extrañas formas aberrantes y una sensación de circuito agitado; también varios dibujos sobresalientes en un sentido puramente visual. Cajal toma muestras de las células cerebrales de un hombre ahogado y una que sufre de parálisis y en "células tumorales de las membranas cubrientes del cerebro", logra madejas enredadas que evocan a William Blake y Louise Bourgeois. 
Las cosas se calman en "Rutas Neuronales", que recomiendo para el pequeño paisaje extraño que es "Conexiones dentro del hipocampo".

"Al ver el hermoso cerebro hoy", una sección de representaciones contemporáneas, generalmente en sacudidas de colores brillantes, presenta animaciones y fotografías microscópicas detalladas que se yuxtaponen con reproducciones de dibujos de Cajal del mismo tema. 
Nada aquí se compara artísticamente con Cajal, pero las animaciones tienen su propio tipo de maravilla y no deben perderse.
De "El bello cerebro: los dibujos de Santiago Ramón y Cajal" en la Galería de Arte Gris, "Células tumorales de las membranas cubrientes del cerebro", de 1890. Instituto Cajal deCrédito, Madrid
The Beautiful Brain: Los dibujos de Santiago Ramón y Cajal es la primera exposición de un museo de los Estados Unidos que presenta los extraordinarios dibujos de Santiago Ramón y Cajal (España, 1852-1934), el padre de la neurociencia moderna. Las asombrosas representaciones del cerebro de Cajal, que combina el conocimiento científico de vanguardia con un trabajo de dibujo consumado, ofrecen una claridad mucho mayor que las fotografías, hasta el punto de que todavía se usan mucho en la actualidad. Con aproximadamente 80 de los dibujos de Cajal, el espectáculo se ubicará en la historia de la ilustración científica de los siglos XVI al XIX, y se yuxtapone con las visualizaciones contemporáneas del cerebro. Organizada por el Museo de Arte Frederick R. Weisman en la Universidad de Minnesota en colaboración con el Instituto Cajal, la exposición está acompañada por un libro completamente ilustrado publicado por Abrams.

The Beautiful Brain: Los dibujos de Santiago Ramón y Cajal fue desarrollado por el Museo de Arte Frederick R. Weisman, Universidad de Minnesota, con el Instituto Cajal del CSIC, Madrid. La presentación en la Galería de Arte de Grey ha sido posible gracias a Ann Hatch; la Fundación Simons; el Consulado General de España en Nueva York; Jessica Swartz; Carl Zeiss Microscopy, LLC; Tonix Pharmaceuticals; el Círculo de Directores de Gray, el Consejo Inter / Nacional y los Amigos; y la confianza de Abby Weed Gray. En la Universidad de Nueva York, Global Research Initiatives, Office of the Provost proporciona soporte clave adicional; Colegio de Artes y Ciencias; Centro Juan Carlos I de España; Facultad de Artes y Ciencias; Centro de Ciencia Neural; Neuroscience Institute en Langone Health; Departamento de Radiología, Facultad de Medicina, Langone Health; y el Departamento de Español y Portugués.